Gut gestärkt präsentierte Jakob Schwerdtfeger im Anschluss einen Fun-Fact nach dem anderen, souverän und pointiert vorgetragen. In der Pause war er am Bücherstand der Buchhandlung Taube stark gefragt. Aber auch nach dem zweiten Teil der Vorstellung wollte das Publikum ihn nicht so schnell verabschieden. Als Zugabe performte er einen Rap, in dem er zuvor aus dem Publikum zugerufene Begriffe gekonnt aufgriff und gereimt verarbeitete. Das verblüffte viele – und zeigte zugleich seine besondere Stärke als Stand-up-Comedian.

Hier ansehen und Youtube Bedingungen akzeptieren (Video: Oleg Kauz).

Am Nachmittag vor seinem Bühnenprogramm „Meisterwerke“ im ausverkauften Kulturhaus Schwanen, ließ es sich Kunstcomedian Jakob Schwerdtfeger nicht nehmen, eine Runde durch die Galerie Stihl Waiblingen und die aktuelle Ausstellung „Die lieben Nachbarn“ zu drehen. Fotos: Tom Becker

Beim Rundgang durch die Galerie entdeckte Jakob Schwerdtfeger die Karikaturen des Künstlers Peter Gaymann, der zu den beliebtesten Cartoon-Zeichnern Deutschlands gehört und der vor allem für seinen liebevoll‑ironischen Humor bekannt ist. Viele seiner Cartoons zeigen Tiere – allen voran Hühner, die menschliche Eigenheiten und Alltagsprobleme spiegeln und mittlerweile als sein Markenzeichen gelten. Jakob Schwerdtfeger erinnerte sich: „Bei Gaymanns Ausstellung in Rust anlässlich seines 75. Geburtstag habe ich die Laudation gehalten!“
Gefallen hat ihm am Galerieprogramm, dass der Humor in der Kunst mehr an Raum gewinnt, ohne die wichtigen Werke der Kunstgeschichte zu vernachlässigen. Seine Begeisterung ging soweit, dass er spontan im späteren Bühnenprogramm lobende Worte für die Galerie und den Freundeskreis einbaute: „Glückwunsch zum gelungenen, durch die Eva Mayr-Stihl Stiftung geförderten Gebäude, Glückwunsch zum überzeugenden Ausstellungskonzept. Zu Euch komme ich gerne wieder“.

Aus diesem Anlass wurde die Veranstaltung erstmals ins Q12, einer Eventlokation im Waiblinger Ameisenbühl verlagert, wo es bei bester Stimmung und in angenehmem Ambiente sehr festlich zuging. Auch der offizielle Teil der Mitgliederversammlung konnte dort mit gleich zwei Projektionsflächen und modernster Technik trefflich durchgeführt werden. Zunächst ließ der noch amtierende erste Vorsitzende, Dr. Hansjörg Thomae, in seinem Jahresrückblick die gelungenen Veranstaltungen des Jahres 2025 Revue passieren: Veranstaltungen im Begleitprogramm der Ausstellungen in der Galerie Stihl, ein Besuch bei der Triennale Kleinplastik in Fellbach, eine Kunsttagesreise in die Landesausstellung Baden-Württemberg zum Bauernkrieg sowie ein Besuch der Ausstellung von Klaus Prior in Kißlegg standen auf dem Programm. Und nicht zuletzt eine Kunstreise nach Mainz und Wiesbaden in bedeutende Museen und in ein Glasstudio, wo erlebt werden konnte, wie Künstlerentwürfe in Glasfenster umgesetzt werden. Einblick in die Finanzen gab dann Schatzmeister Ralf Köder, als er den Jahresabschluss 2025 und später den Haushaltsplan 2026 vorstellte und erläuterte. Die Zahlen sind erfreulich, was auch in Zukunft die Förderungen möglich macht. Auch die Mitgliederzahlen entwickeln sich positiv weiter: waren es am Jahresende 2025 noch 413 Mitglieder soll, liegt der Stand mittlerweile bereits wieder bei 425 Mitgliedern.
Ralf Köder brachte auch eine Satzungsänderung ein, die es ermöglicht, den Vorstand um eine Person zu erweitern. Das ist zum einen der Digitalisierung geschuldet, zum anderen aber auch dem in der Gesamtheit deutlich gestiegenen Arbeitsaufwand des großen Vereines mit diesem so vielseitigen Programm.

Turnusgemäß standen dann Vorstandswahlen an, und die brachten Veränderungen: Hansjörg Thomae, der langjährige erste Vorsitzende trat nicht mehr an. Gewählt wurden neben Juliane Sonntag zur ersten Vorsitzenden Waltraud Migendt-Schaal zur zweiten Vorsitzenden und Dr. Frank Scholl zum Schriftführer. Beide sind neu im Vorstand. Bestätigt im Amt wurden der Schatzmeister Ralf Köder und Tom Becker als Vorstandsmitglied, aber in neuer Funktion: er gehört dem Vorstand künftig als Beisitzer an.

Vorgestellt wurde das Programm des laufenden Kunstjahres 2026, das unter anderem eine dreitägige Reise ins Elsass vorsieht, eine Kunstfahrt ins Elternhaus von Anselm Kiefer in Rastatt, ins Frieder Burda Museum in Baden-Baden und den Besuch im Atelier der Bildhauerin Manuela Tirler in Plochingen.
Ein besonderes Highlight wird der Museumstag 2026 werden, an dem die Freunde der Galerie Stihl inmitten der Ausstellung einen Portraittag organisieren, bei dem sich Mitglieder, aber auch Besucher von verschiedenen Künstlern und Künstlerinnen porträtieren lassen können. Ein immer mit großem Interesse erwarteter Programmpunkt war auch diesmal die Präsentation der Galerieleiterin Dr. Anja Gerdemann, die das laufende Ausstellungsprogramm der Galerie Stihl in Wort und Bild erläuterte. Auch ist es längst Tradition, dass die Leiterin der Kunstschule Unteres Remstal, Christine Lutz, die Ergebnisse der Stipendiaten vom vergangenen Jahr präsentiert und die neuen Stipendiaten des aktuellen Vereinsjahres vorstellt. Die Unterstützung jungen Kunstnachwuchses ist ein fester Bestandteil der Förderung der Freunde der Galerie Stihl Waiblingen. Die Stipendiaten bekommen dabei ein Jahr kostenfreien Unterricht an der Kunstschule.

Dieses Thema bildete am 27. September 2025 den zentralen Programmpunkt unserer Tagesreise. Dr. Ingrid-Sibylle Hoffmann, die unsere Gruppe im Bus begleitete, führte uns bereits während der Anfahrt in die Ausstellung ein und erläuterte deren Inhalte, Bedeutung und Gestaltung.
In der Ausstellung wird an den großen Bauernkrieg in Südwestdeutschland erinnert, der vor 500 Jahren auch Oberschwaben erfasste. Sie fokussiert auf die Geschehnisse der Jahre 1524 und 1525 und thematisiert vor allem die Frage nach dem „Warum“.

Es wird dokumentiert, dass es den Menschen nicht in erster Linie um die Verbesserung ihrer Lebens- und Arbeitsbedingungen ging, sondern letztendlich um ihre Freiheit. Sie rebellierten gegen hohe Abgaben, ihre Abhängigkeiten und die Ungerechtigkeit. Verschiedenste Ausstellungsstücke veranschaulichen die damalige Zeit und mithilfe von Originalobjekten und zeitgenössischen Schriften werden die Forderungen der Menschen belegt.

Durch den Einsatz moderner Technik – wie Text- und Bildeinspielungen und KI-gestützter fiktiver Figuren, die als nachgestellte Zeitzeugen ihre Sicht der Ereignisse schildern – macht die Schau deutlich, wie eng Fragen nach Freiheit, Gerechtigkeit und Mitbestimmung mit unserer Gegenwart verbunden sind. Die Frage danach, wie damals Konflikte gelöst wurden und welche Vorstellungen von Gerechtigkeit bis in unsere Tage weiter gelten, sind sehr aktuelle Themen. So trägt die Ausstellung an, über aktuelle Protestbewegungen, soziale Gerechtigkeit und Teilhabe in unserer Zeit nachzudenken. (Text: Juliane Sonntag)

Um eine Vorstellung der Austellung durch die KuratorInnen auf Regio TV zu sehen, klicken Sie hier

Was heute Besucher aus ganz unterschiedlichen Gründen nach Schussenried zieht, begann im Jahr 1183 mit einer Entscheidung zweier Brüder. Konrad und Beringer von Schussenried überließen ihren Gutshof samt Kirche dem Prämonstratenserorden – und legten damit den Grundstein für ein Kloster, das bald vom Kaiser und vom Papst bestätigt wurde.
Die Klosterkirche, deren älteste Teile bis heute erhalten sind, war um 1230 vollendet. Zunächst der Gottesmutter Maria geweiht, kam später der heilige Magnus von Füssen als Schutzpatron hinzu. Als der Propst 1440 zum Abt erhoben wurde, war klar: Schussenried war nun eine selbstständige Abtei – und bald sogar direkt dem Kaiser unterstellt.
Mit der Zeit wandelte sich auch das Aussehen der Anlage. Um 1500 hielt die Gotik Einzug, auf das 17. und 18. Jahrhundert folgte der Barock. Besonders prächtig wurde es ab 1750 mit dem Neubau des Klosters und der berühmten Bibliothek – ein Raum, der bis heute staunen lässt.
Doch das klösterliche Leben endete abrupt: 1803 wurde das Kloster im Zuge der Säkularisierung aufgelöst. Die Kirche wurde Pfarrkirche, Kunstschätze verkauft oder verstreut. Wenige Jahre später ging die Anlage an das Königreich Württemberg über.
Ab 1875 begann ein ganz neues Kapitel: In den Klostergebäuden entstand eine Heil- und Pflegeanstalt. Einer ihrer bekanntesten Bewohner war Gustav Mesmer, der „Ikarus vom Lautertal“. Heute ist Kloster Schussenried ein lebendiger Kulturort. Die barocken Gebäude beherbergen das Neue Museum Kloster Schussenried mit Ausstellungen zur Klostergeschichte und zur Psychiatriegeschichte. Höhepunkt jedes Besuchs ist der lichtdurchflutete Rokoko-Bibliothekssaal – mit seinem überwältigenden Fresko über die göttliche Weisheit und seinen eindrucksvollen Figuren.

Ein Ort, der zeigt, wie viele Geschichten ein einziges Kloster erzählen kann.

Andrea Dreher aus Ravensburg ist studierte Kunsthistorikerin und Romanistin sowie Galeristin und Kunstvermittlerin. Sie hat diese Ausstellung kuratiert und den Ausstellungskatalog redaktionell betreut.

Mit viel Hintergrundwissen und Engagement hat sie uns durch die Austellung geführt und begeistert. Sie schreibt im Ausstellungskatalog:

„Ich kenne Klaus Prior zwar erst seit einem guten Jahrzehnt, habe aber als italophile Deutsche schnell einen sehr persönlichen und vertrauten Zugang zu ihm gefunden. Dass ich auf Wunsch des Künstlers die Ausstellung in Schloß Kißlegg kuratieren darf, ist mir eine Ehre und Freude zugleich. Der Titel „Una lunga storia“, Klaus Prior zum 80sten, hat sich in den vielen Gesprächen und im regelmäßigen Austausch mit dem Künstler bald herauskristallisiert. Er lebt zu lange in Lugano, um dort „nur der Deutsche“ zu sein, Italienisch ist seine Alltagssprache, und das Leben im Tessin prägt längst sein Lebensgefühl.“

(Fotos Führung: Tom Becker, Portrait des Künstler © Klaus Prior)

Der 1945 in Wesel am Niederrhein geborene Künstler verließ Deutschland bereits in jungen Jahren und fand in der Schweiz seine neue Heimat. Nach dem Studium der Malerei an der Kunstgewerbeschule St. Gallen ließ er sich 1970 als freischaffender Künstler im Tessin nieder. Heute lebt und arbeitet Klaus Prior in Lugano. Über viele Jahre hinweg unterhielt er zudem ein Atelier in Kißlegg und entwickelte eine enge Verbindung zur Gemeinde. Über diese besondere heimatliche Beziehung sagt er selbst: „Ich kam als vaterlandsloser Geselle nach Kißlegg und wurde dort wohlwollend aufgenommen.“
Anlässlich dieses Jubiläums widmet Kißlegg dem Künstler im Sommer 2025 eine Einzelausstellung im Schloss. Gezeigt wird eine sorgfältig zusammengestellte Auswahl bedeutender Werke aus öffentlichen und privaten Sammlungen, ergänzt durch neue Arbeiten sowie selten gezeigte Positionen.Ergänzt wird die Ausstellung durch Skulpturen im Außenraum, die auch außerhalb des Schlosses neue Begegnungen mit der Kunst Klaus Priors ermöglichen.

Im Raum „Krieg und Tod“ richtet sich der Blick auf die düsteren Aspekte menschlicher Existenz. Die großformatigen Ölgemälde im Hintergrund sind intensiv farbig gestaltet. Auch die Bildthemen spiegeln diese Schwere wider: Werke wie „Wohltätig ist des Feuers Macht“, „Höllensturz“ oder „Dies Irae“ („Tag des Zorns“) greifen das bekannte Motiv aus der Totenmesse auf. Passend dazu erklingt aus dem Hintergrund Mozarts „Dies Irae“ aus dem Requiem. Auf dem Boden schlängeln sich schwarz bemalte Figuren, die den Titel „Veteranen“ tragen.
(Fotos: Tom Becker)

Priors Kunst ist ein wichtiges Beispiel expressiver, moderner Figuration. Seine Arbeiten repräsentieren eine starke, eigenständige Position innerhalb der zeitgenössischen Kunst. Mit kraftvollen, expressiven Formen steht Prior in einer Linie mit Künstlern wie Georg Baselitz oder A. R. Penck. Seine Werke entstehen ohne vorhergehende Skizze; sie drücken rohe, intuitive Empfindungen aus. Die Kettensäge wurde Priors dritte, starke Hand.
Im letzten Bild liegt der Fokus auf dem Gussprozess von Skulpturen. Klaus Prior begann schließlich damit, seine mit der Kettensäge aus Holz herausgearbeiteten Plastiken in Eisen und teilweise auch in andere Metalle zu übertragen. Das Verfahren wird anschaulich erklärt, und es werden einige Vergleiche zwischen den hölzernen Originalen und den daraus entstandenen Metallabgüssen präsentiert.
(Fotos: Tom Becker)

Die Derix Glasstudios in Taunusstein gehören zu den traditionsreichsten – und zugleich innovativsten – Adressen für künstlerische Glasgestaltung in Europa. Seit 1866, widmen sie sich dem Glas – und zwar auf höchstem künstlerischem Niveau. Die Derix Studios tragen auch die ehrenvolle Zusatzbezeichnung „päpstliche Hofmalerei seit 1908“, weil sie seit diesem Jahr offiziell als päpstlicher Hoflieferant für Glasmalerei anerkannt sind. Das bedeutet: Schon ab 1908 wurden sie mit Arbeiten für den Vatikan und verschiedene katholische Kirchen weltweit beauftragt – ein echter Ritterschlag für ein Unternehmen des Kunsthandwerks.

Warum gerade „Hofmalerei“?
Damals wurde der Begriff „Hofmalerei“ oder „Hofkünstler“ oft verwendet für Kunsthandwerker, die im Auftrag eines Fürstenhofs oder – wie hier – des päpstlichen Hofs arbeiteten.
Aber aus der einst klassischen Glasmalerei-Werkstatt wurde im Laufe der Jahrzehnte ein internationales Zentrum für architekturbezogene Glaskunst. Heute arbeiten dort rund 70 Spezialistinnen und Spezialisten an Projekten, die von historischen Kirchenfenstern über moderne Glasfassaden bis hin zu komplexen Lichtkunstobjekten reichen.

Die Vielfalt der Techniken ist beeindruckend
Die Bandbreite reicht von CAD-Zeichnungen über Sandstrahlen, Airbrush, Ätzen, Siebdruck, Bleiverglasung bis zur Laminierung. Kurz gesagt: Wenn man Glas auf irgendeine Weise veredeln will – Derix bietet alle Lösungen.

Wichtiger Partner für Echt-Antikgläser
Ein enger Partner von Derix ist die Glashütte Lamberts in Waldsassen – ein Familienunternehmen im Oberpfälzer Landkreis Tirschenreuth. Dort entstehen mundgeblasene Glasplatten in über 5000 Farben. Die Echt-Antikgläser sind ursprünglich Glaszylinder, die mit dem Mund geblasen, werden, dann längs halbiert und schließlich wieder im Ofen „glattgebügelt“ werden – wenn man das so vereinfacht formulieren kann. Lamberts liefert an internationale Kunden —auch für den Big Ben und das Rockefeller Center – und das ist ein grosses Kompliment für deutsche Handwerkskunst.
Mehr über die Herstellung bei Glashütte Lamberts, die Derix mit Glasplatten beliefert.

Text: Tom Becker

Der Rundgang durch die Werkstatt erfolgte in zwei Gruppen. Besonders spannend war, einige Kunstwerke direkt in der Entstehung zu beobachten und den GlasveredlerInnen sowie GlaserInnen Fragen zu stellen, die sie mit großer Offenheit und Leidenschaft beantworteten. Ihre Begeisterung für das Handwerk war dabei jederzeit spürbar. Das Fotografieren während der Herstellung war aufgrund des hohen Spezialisierungsgrades verständlicherweise nicht gestattet. Umso dankbarer sind wir den Derix Glasstudios, dass sie uns eigenes Bildmaterial zur Verfügung gestellt haben. So lassen sich die einzelnen Techniken auch hier auf der Website nachvollziehen – ergänzt durch ein Video, das zusätzliche Einblicke gibt.

Was wir bei Derix –einmal mehr – erlebten, ist die enge Verzahnung von Technik, Handwerk und Kunst. Ohne die Expertise der Werkstätten wären viele Werke schlicht nicht realisierbar. Erinnern Sie sich noch an die kunsthandwerkliche Prozesskette beim Atelier Nuss, Formenbau Traub und der Kunstgießerei Strassacker? Alle Institutionen haben wir 2019 besucht. Und nicht zu vergessen, den Siebdruckexperten Michael Domberger , der uns 2023 seine Sammlung präsentiert hat. Auch dort wurde uns klar, wie eng KünstlerInnen mit HandwerkerInnen zusammenarbeiten müssen, um ihre Ideen umzusetzen.

Die Derix Glasstudios verstehen sich nicht als bloßer Dienstleister, sondern als kreativer Sparringspartner für Künstlerinnen und Künstler. Ein Beispiel für eine besonders gelungene Zusammenarbeit ist die mit der Künstlerin Mahbuba Maqsoodi. Sie wurde 1957 in Herat, Afghanistan, geboren, lebt seit den 1990er-Jahren in Deutschland und hat unter anderem an der Kunstakademie in Sankt Petersburg studiert. Ihr Stil ist farbintensiv, symbolträchtig und stark von spirituellen Themen wie Hoffnung, Glaube und Identität geprägt.

Besonders bemerkenswert: Als muslimische Frau gestaltet sie christliche Kirchenfenster – ein mutiges wie versöhnliches Zeichen für kulturelle und religiöse Offenheit.

Uns ist sie natürlich nicht unbekannt: 2022 haben wir im Rahmen unserer Kunstreise nach Saarbrücken und Metz die Benediktinerabtei St. Mauritius in Tholey besucht. Dort hat Maqsoodi zusammen mit Gerhard Richter die neuen Fenster für die älteste Abteikirche Deutschlands entworfen. Auch in Cham, Dörverden und weiteren Orten findet man Werke von ihr – stets mit einer poetischen, persönlichen Handschrift.

Die Zusammenarbeit mit Derix begann 2018 mit einem besonders beeindruckenden Projekt: der Kapelle des Hilfswerks Open Doors in Kelkheim. Dort gestaltete Maqsoodi nicht nur die Fenster, sondern auch die Decke und das zentrale Kreuz der Kapelle – ihr Werk trägt den Titel „Die Welle“ und symbolisiert die „lebendige Hoffnung in Christus“. Technisch wurde es mithilfe hochwertiger Echt-Antikgläser umgesetzt, die geätzt, handbemalt und auf Sicherheitsglas laminiert wurden – ein enorm aufwendiger Prozess, bei dem jeder Schritt zwischen Künstlerin und Werkstatt abgestimmt wurde. Sozusagen: Glasgestaltung mit synchronisiertem Herzschlag.

Ein weiteres Highlight folgte 2021: „SAIL“, eine doppelseitige Glasinstallation im Münchner Missio-Gebäude. Sie erinnert – wie der Name schon andeutet – an ein Segel. Hier setzte Maqsoodi erstmals die Kombination von Glas und Spiegel ein, weil es sich hier um eine Rauminstallation ohne Hinterleuchtung handelt. Das Werk symbolisiert Weltoffenheit, geistige Bewegung und die globale Dimension von Glaube und Gemeinschaft. Und natürlich wurde auch hier wieder mit unterschiedlichsten Techniken gearbeitet: Airbrush, Ätzung, Malerei, Spiegelglaslaminierung… ein ganzes Technikorchester, könnte man sagen.

Diese Projekte zeigen, wie stark das Miteinander von künstlerischer Vision und technischer Umsetzung bei Derix ist. Maqsoodis Entwürfe bringen das Werkstatt-Team immer wieder an neue Grenzen – im besten Sinne. Gleichzeitig findet sie dort ein kreatives Umfeld, in dem ihre Ideen Realität werden.
Mehr zur Maqsoodi-Projekten mit Derix

Text: Tom Becker

Die Zusammenarbeit mit KünstlerInnen ist Ausdruck der Philosophie der Derix Glasstudios: Traditionelles Handwerk bleibt nur dann lebendig, wenn es sich immer wieder auf Neues einlässt. Und was dabei entsteht, ist mehr als schöne Dekoration – es sind Werke, die Licht formen, Geschichten erzählen und Räume verwandeln.
Der Besuch bei Derix war der ideale Auftakt unserer Kunstreise: Beim späteren Rundgang durch das Museum Reinhard Ernst begegneten wir dort Werken von Claudia Walde alias MadC, Katharina Grosse und Karl Martin Hartmann – allesamt in die großartige Architektur integriert und in der Werkstatt der Derix Glasstudios in Taunusstein gefertigt. Ein besserer Start für unsere Reise hätte kaum gelingen können. Text: Tom Becker

Für die Gestaltung des Museums hat Reinhard Ernst einen der international bedeutendsten Architekten gewinnen können: Fumihiko Maki. Der 1928 geborene Japaner hat für seine Arbeit schon viele Auszeichnungen erhalten, dazu zählt auch der Pritzker-Preis, die weltweit größte Anerkennung für Architekten. Fumihiko Maki hat zahlreiche Museen und mehrere Kulturbauten entworfen. Auch seine Wohn- und Bürogebäude haben Maßstäbe gesetzt, so zum Beispiel das Spiral Building in Tokio oder das 4 World Trade Center auf dem Ground Zero in New York.

Fumihiko Makis Entwurf sieht vier Kuben um ein großes Atrium vor. Das Erdgeschoss ist straßenseitig nahezu vollständig verglast. Auskragend sind über diesem die oberen Stockwerke gelagert und scheinen zu schweben. Und eben hier wird die Assoziation „Zuckerwürfel“ ersichtlich: Zum einen ist das Volumen aus unterschiedlichen Kuben und deren Verbindungen zum Schutz der Kunst beinahe fensterlos. Zum anderen verleiht die Fassade aus gehämmertem Bethel White-Granit der Architektur ihre zuckrige Hülle. Nicht ohne Grund haben die Wiesbadener dem Gebäude den Namen Zuckerwürfel verliehen.

Maki soll einmal gesagt haben er will 10 Museen bauen. Wiesbaden war das 10., die Eröffnung hat er leider nicht mehr erlebt. Kurz zuvor ist er im Juni 2024 verstorben.

Gründungsdirektor und heutiger Direktor des Hauses ist Dr. Oliver Kornhoff. Er studierte Kunstgeschichte, Geschichte, Klassische Archäologie und Völkerkunde in Köln sowie Florenz und promovierte in Freiburg über die Skulpturen der „Brücke“-Künstler Erich Heckel und Ernst Ludwig Kirchner. Der gebürtige Kölner war seit 2009 Direktor am Arp Museum Bahnhof Rolandseck und war von 2013 bis 2020 zudem künstlerischer Leiter des Künstlerhauses Schloss Balmoral in Bad Ems. Seine beruflichen Stationen führten ihn davor als wissenschaftlicher Mitarbeiter der Staatlichen Kunsthalle nach Baden-Baden und ins Schwäbische als stellvertretender Leiter der Städtischen Galerie nach Bietigheim-Bissingen.
Foto: Reinhard Ernst und Dr. Oliver Kornhoff
© Tanja Nitzke

Parallel zum Aufbau seiner Firmen für hochpräzise Antriebstechnik in den 1980er Jahren begann der Unternehmer Reinhard Ernst abstrakte Kunst zu sammeln. 1945 im Westerwald geboren und im Taunus aufgewachsen, hatte er während seiner Kindheit keine ausgeprägte Beziehung zur Kunst. Erst auf seinen internationalen Geschäftsreisen entwickelte sich das Interesse für Gemälde und Skulpturen.
Schon lange hatte der in Wiesbaden lebende Geschäftsmann den Wunsch, seine K“unst der Öffentlichkeit zugänglich zu machen, denn:
„Für mich ist es selbstverständlich, dass ich als Sammler eine Verantwortung gegenüber der Allgemeinheit trage, denn die Kunstwerke wurden nicht für mich alleine geschaffen. Deshalb wünsche ich mir, dass so viele Kunstwerke wie möglich öffentlich gezeigt werden“.
So wurde die Idee eines Museums für abstrakte Kunst nach 1945 geboren, das neben wechselnden Präsentationen aus der „Sammlung Reinhard Ernst“ auch Sonderausstellungen zeigen soll. Aus der Vision entstand ein konkreter Plan: die Reinhard & Sonja Ernst Stiftung baut und betreibt in der Stadt Wiesbaden auf eigene Kosten ein Museum. Ein Novum des Hauses ist, dass vormittags nur für Schulen und für Bildungszwecke geöffnet ist. Das Museum umfasst 2000 qm Ausstellungsfläche und bietet Raum für dem Sammlerbestand von rund 900 Bildern und Skulpturen.
Wir sahen die zweiteilige Bronzeskulptur „Pair“ von Tony Cragg. Das Werk wurde speziell für eine geschossübergreifende Nische im Museumsgebäude entworfen und ist ein exklusives und fest mit dem Bau verbundenes Kunstwerk. Tony Cragg’s Skulpturenpark in Wuppertal war bereits Ziel einer unserer Kunstreisen. Die erste Glasarbeit von Katharina Grosse „Ein Glas Wasser, bitte“ leuchtet im Foyer. Sie wurde, wie Karl Martin Hartmann’s Installation „The Ladybird, the Innocence and the Cars“ in der Werkstatt der Derix Glasstudios hergestellt.

Die Arbeiten der Künstler sind direkt auf der Website des mre einzusehen.

„Wandering thoughts 2024“

ist der Titel des Glaskunstwerks von Claudia Walde (MadC). Der Stadtraum prägt MadCs Kunst. Mit Sprühdose und Hubsteiger verwandelt sie Mauern, Brücken und Fassaden in großformatige Gemälde. Unter ihrem Künstlernamen zählt Claudia Walde (geb. 1980) zu den international renommiertesten Graffiti-Künstlerinnen. Die Leuchtkraft teilweise monumentaler Wandmalereien verdichtet sie in Leinwandbildern, in denen Pinselstriche, transparente Acrylschichten und gezielte Farbspuren an den Sprühnebel erinnern. Für „Wandering Thoughts“ überträgt sie diese Malereien auf Glas – ein Prozess, der das Auflösen komplexer Bildkompositionen in einzelne Elemente erfordert. Aus zugeschnittenen, übereinander geschichteten Glastafeln entsteht so eine vielschichtige Tiefe, Transparenz und Farbintensität. Auch dieses Kunstwerk wurde bei Derix gefertigt. (Quelle: Website des Museums). Weitere spannende Arbeiten findet man auf der Website der Künstlerin madc.tv

Die Ankunft in Eltville, einer malerischen Stadt im Rheingau. Sie ist bekannt als „Weinstadt“ und „Rosenstadt“, liegt direkt am Rhein und bietet historische Fachwerkhäuser, enge Gassen und das Wahrzeichen, die Kurfürstliche Burg. Der Ort ist berühmt für seinen Weinbau, insbesondere Riesling und Spätburgunder, sowie für seine Rosenkultur. Mit zahlreichen Weingütern, Straußwirtschaften und Festen ist Eltville ein beliebtes Ziel für Weinliebhaber und Ausflügler.

Die Besitzerfamilie Winter empfing uns mit einem köstlichen „Blanc de Blanc -Sekt“. Welch ein Start im Hof des Weinguts bei sonnigem Wetter! Ausgewählt wurde dieses renommierte Weingut jedoch nicht allein für seine vielfach prämierten Weine, sondern ebenso für seinen einzigartigen Kunstkeller. Kennengelernt hat diese besondere Lokalität unser Vorsitzender Hansjörg Thomae im Rahmen einer Tagung des Bundesverbands Fördervereine Museen der bildenden Kunst „Mir war sofort klar, dass dies ein Ziel einer Kunstreise der Freunde der Galerie Stihl Waiblingen sein wird“.

In einem über 260 Jahre alten und 1000 Quadratmeter umfassenden Gewölbekeller stellte exklusiv die Ausstellungsleiterin Frau Mann-Winter zeitgenössische Kunst aus Installationen, Lichtobjekten, Malerei und Skulpturen vor. Alle von international bekannten Künstlern aus Portugal, USA, Japan, Korea und Deutschland. Entstanden ist ein spannendes Ausstellungskonzept und damit eine einzigartige Synthese zum Thema Kunst und Wein. Nicht zuletzt beeindruckte die aktuelle Wechselausstellung des Künstlers Armin Baumgarten. Alle Besucher waren überzeugt: Welch großartige Kunst in außergewöhnlichem Ambiente. Hier spürte man förmlich die Begeisterung für Kunst , leitete Frau Mann-Winter doch viele Jahre eine eigene Galerie in Wiesbaden.

Das Weingut gehört zum Verband der Prädikatsweingüter, der 200 besten Weingüter Deutschlands. Herr Winter präsentierte eine überzeugende Weinprobe mit verschiedenen Rebsorten wie Riesling, Pinot Noir, Auxerrois. Die Weinprobe begann bereits bei der Vorstellung der Kunstobjekte im Keller mit köstlichen Häppchen und wurde später durch ein geschmackvolles Menü begleitet. Die kulinarische Inszenierung war perfekt. Einige Weine aus dem Weingut „Georg Müller Stiftung“ hat auch unser Fördermitglied und Unterstützer bei Veranstaltungen, Harald Deuschle (Depot 7 in Beinstein), im Angebot. Also gerne bei einem Glas Wein aus dem Weingut in Erinnerungen schwelgen.

Hier noch ein paar Fakten zum Weingut/Weinkeller
Bereits 1882 gründete Georg Müller, Miteigentümer der berühmten Eltviller Sektkellerei „Matheus Müller”, das Gut Georg Müller in Hattenheim, mitten im Rheingau.
1910 gehörte das Weingut zu den Gründungsmitgliedern des renommierten Verbandes Deutscher Prädikatsweingüter (VDP), dessen Mitglieder sich zu strengen Qualitätskriterien verpflichtet haben.
Drei Jahre später stiftete Georg Müller das angesehene Weingut seiner Heimatgemeinde Hattenheim. Nach der Eingemeindung Hattenheims in das Stadtgebiet von Eltville operierte das Weingut über 30 Jahre als städtisches Weingut und war als das „Weingut der Stadt Eltville” bekannt.
Die Stadt Eltville entscheidet sich 2003 zur Privatisierung und veräußerte das Weingut an Peter Winter. Nach umfangreichen Investitionen machte er das traditionsreiche Haus fit für eine große Zukunft und verwirklichte nach einer sehr erfolgreichen Karriere in einer der größten Weinfirmen der Welt sein berufliches Ziel: ein eigenes kleines, feines Weingut zu führen.
Vor nunmehr 12 Jahren kommt der heutige Gutsverwalter Tim Lilienström hinzu. Lilienström studierte Weinbau und Önologie an den Hochschulen Geisenheim und Bordeaux und war zuvor in Weingütern an der Nahe und in der Provence tätig. Die weitere Qualitätsverbesserung der Weine seit Lilienströms Ankunft bestätigt sich durch nationale und international angesehene Auszeichnungen.
Mit Peter Winters Sohn Daniel Winter kommt vor 10 Jahren ein erstes Familienmitglied hinzu und 2019 auch seine Schwester Katharina Winter. Daniel ist im Verkauf tätig und für den Bereich „Daniel’s Rare Wines“, An- und Verkauf von Raritäten, verantwortlich. Katharina studierte nach ihrem Masterabschluss in Kunstgeschichte in Großbritannien Internationale Weinwirtschaft an der Hochschule Geisenheim. Seit Ihrem Abschluss vertritt sie das Weingut in den Bereichen Marketing und Export.
Quelle: Homepage Weingut.

In den hellen Sälen des Museums spannt sich der Bogen von mittelalterlicher Kunst bis zur Moderne. Besonders hervorzuheben ist die Sammlung des Expressionisten Alexej von Jawlensky, die zu den bedeutendsten weltweit zählt. Auch die naturhistorische Abteilung lädt dazu ein, Fossilien, Mineralien und Tierpräparate zu entdecken – eine faszinierende Zeitreise in die Entwicklung unserer Erde. Darüber hinaus boten wechselnde Präsentationen ein breites Spektrum: „Honiggelb – die Biene in Natur und Kulturgeschichte“, „Plakatfrauen. Frauenplakate“ (mit Werken aus der Blütezeit der deutschen Plakatkunst 1913–1921), Jugendstil aus der Sammlung F. W. Nees (eine der bedeutendsten europäischen Privatsammlungen des Jugendstils und des Symbolismus) und vieles mehr. Angesichts dieser Vielfalt verzichteten wir auf eine Führung und erkundeten das Museum in kleinen Gruppen – jede und jeder nach den eigenen Interessen.

Das Landesmuseum Wiesbaden ist nicht nur wegen seiner Sammlungen ein Highlight, sondern auch ein architektonisches Erlebnis. Der Hauptbau an der Friedrich-Ebert-Allee wurde zu Beginn des 20. Jahrhunderts im neoklassizistischen Stil errichtet. Mit seiner klar gegliederten Fassade, den großzügigen Treppenhäusern und den hohen Ausstellungssälen vermittelt er den Eindruck von Offenheit und Würde – ein echtes „Tor zur Kultur“ für die Stadt. Besonders spannend ist die moderne Erweiterung: Hier trifft historische Architektur auf zeitgenössische Formen.

Ein markantes Element ist der Spiegel, der im Eingangsbereich installiert ist. Er spielt mit der Wahrnehmung der Besucherinnen und Besucher, indem er die alte Architektur reflektiert und zugleich neue Blickwinkel eröffnet. Dieser architektonische Kunstgriff verbindet Tradition und Moderne auf elegante Weise – und macht schon beim Eintreten deutlich, dass das Museum mehr ist als ein klassischer Ausstellungsort: Es ist ein Raum für Dialog, für Spiegelungen im wörtlichen wie im übertragenen Sinn. So wird das Gebäude selbst zum Teil der Erfahrung – nicht nur als Hülle für Kunst und Natur, sondern als eigene Bühne für Begegnung, Reflexion und Perspektivwechsel. Von diesem Spiegel waren wir in der Tat alle gefesselt: Mit jedem Schritt zur Seite eröffnete sich ein neuer, überraschender Eindruck

Das Museum Wiesbaden lebt nicht nur von seinen Ausstellungen, sondern auch vom großen Engagement seiner Förderer. Seit 1994 unterstützen die Freunde des Museums Wiesbaden e. V. das Haus als verlässlicher Partner – ideell und finanziell. Sie tragen dazu bei, bedeutende Kunstwerke zu erwerben, Ausstellungen und Kataloge zu ermöglichen, kulturelle Bildungsangebote zu fördern und die enge Verbindung zwischen Museum und Stadtgesellschaft zu stärken. Auch die langjährige bauliche und konzeptionelle Erneuerung des Museums begleiteten sie tatkräftig. Im Herbst 2020 konnten die Freunde ihr 2000. Mitglied begrüßen. Mit kreativen Formaten laden sie Interessierte ein, Teil des Förderkreises zu werden. Eine junge Initiative sind die „Jungen Freunde“ (17–30 Jahre). Sie bringen frische Ideen ein, vernetzen kulturbegeisterte Menschen und organisieren eigene Veranstaltungen wie Workshops, Atelierrundgänge oder „Drink & Draw“-Events. Gemeinsam setzen sich die Freunde und die Jungen Freunde dafür ein, dass das Museum Wiesbaden ein lebendiger, zugänglicher und vielfältiger Ort bleibt – für Jung und Alt, für Staunen, Inspiration und Begegnung.
Im Foyer des Museums begrüßte uns Klaus H. Niemann, Mitglied des Vorstands der Freunde des Museums. Er empfahl und erläuterte die oben erwähnten Ausstellungshighlights des Museums. „Ich freue mich über den Besuch der Galeriefreunde aus dem Schwabenland. Wie ich gehört habe, haben wir auch einen gemeinsamen Berührungspunkt, nämlich die Skulptur von Angela Glajcar. Hier in der Dauerausstellung und bei Ihnen jüngst im Kirchenraum. Damit haben Sie schon einen wichtigen Besichtigungspunkt in unserem Hause. …
Ansonsten kommen Sie unbedingt wieder, da das Landesmuseum jetzt das 200jährige Jubiläum feiert. Aus diesem Anlass wird es noch weitere interessante Veranstaltungen geben. Ich selbst habe auch die Galerie Stihl Waiblingen auf meinem Reiseplan“.

Die Kunsthalle Mainz beeindruckt mit ihrer besondere Architektur. Das Gebäude verbindet auf gelungene Weise Altes und Neues und wird dadurch selbst zu einem einem Symbol für perfekte Integration von Tradition und Moderne. Das Herzstück ist ein ehemaliges Kessel- und Maschinenhaus aus dem 19. Jahrhundert, das im früheren Zollhafen direkt am Rhein steht. Die alten Backsteinmauern wurden erhalten und bewusst gezeigt. Das Berliner Architekturbüro von Günter Zamp Kelp ergänzte diesen Altbau durch einen modernen Anbau: einen quaderförmigen Turm aus Sichtbeton. Dieser hebt sich deutlich vom alten Gebäude ab, steht aber in einem spannenden Verhältnis zu ihm. Der etwa 21 Meter hohe Turm ragt deutlich hervor, ist ein Blickfang in der Stadt und enthält einen eigenen Ausstellungsraum, der sich über mehrere Etagen erstreckt. Ein besonderes Highlight ist die LED-Laufschrift am oberen Rand des Turms, die regelmäßig für künstlerische Arbeiten genutzt wird – wie ein „Leuchtturm für moderne Kunst“, der Kunst nach außen trägt. Auch im Inneren wurde die Kunsthalle so gestaltet, dass Kunst besonders gut zur Geltung kommt. Die Räume sind großzügig, flexibel nutzbar und angenehm ausgeleuchtet. Die Architektur bleibt im Hintergrund, um der Kunst den nötigen Raum zu geben – egal ob Skulpturen, Videokunst, Installationen oder Performances. Typisch für die Kunsthalle ist die offene Gestaltung: Es gibt keinen festen Mittelpunkt, sondern man wird dazu eingeladen, sich frei zu bewegen und Neues zu entdecken. Die klare Gliederung der Räume unterstützt vielfältige Ausstellungen – von einzelnen großen Präsentationen bis hin zu thematischen Gruppenausstellungen. Auch für die Stadt spielt die Kunsthalle eine wichtige Rolle: Sie steht in einem ehemaligen Industriehafen direkt am Rhein, der sich zu einem neuen Stadtviertel entwickelt hat. Dort setzt sie ein kulturelles Zeichen – als Verbindung zwischen Vergangenheit und Zukunft, zwischen alter Industrie und neuer Stadtkultur.

Die aktuelle Ausstellung, die wir besuchten ist eine Kooperation mit der Kunsthochschule Mainz – so kommen auch junge KünstlerInnen zum Zug. Sie schärft unsere Wahrnehmung auf Dinge, die überall um uns sind. Die Dinge gehören ganz selbstverständlich zu unserem Alltag – oft nehmen wir sie erst wahr, wenn sie kaputt gehen, oder wenn wir uns an ihnen stoßen oder wenn es zu viele sind und der Platz knapp wird. Der Tiel dieser Ausstellung ist „All diese Dinge. Überall. Die ganze Zeit“ – sie beschreibt das Gefühl, von Dingen überflutet zu sein. Immer öfter wünschen wir uns, der Welt für einen Moment zu entkommen: Einfach nur da sein – ohne Ballast, ohne nachzudenken, ohne etwas wahrzunehmen. Aber: Was wären wir ohne Dinge?
Dinge tragen Erinnerungen in sich, erzählen Geschichten, geben uns Orientierung und helfen uns, zu handeln. Sie zeigen, was wir können, wie wir die Welt wahrnehmen, wie wir uns in ihr bewegen. Dinge bewahren Zeit, sie können Werkzeuge oder auch Materialien für Kunst sein. Die KünstlerInnen dieser Ausstellung wollen den Dingen auf den Grund gehen. Sie interessieren sich für das Zusammenspiel von Körper und Werkzeug, von Form und Material, von Maschine und Produkt, von dem, was nützlich ist, und dem, was Gefühle weckt. Ihre Arbeiten laden dazu ein, die Dinge neu zu entdecken – jenseits von Funktion und Alltagsnutzen. Gerade in einer Zeit, in der vieles zu viel erscheint, kann das ein anderer, bewussterer Blick auf die Welt sein.

All diese Dinge. Überall. Die ganze Zeit – wurde kuratiert von Marlène Harles.

 

Der Zollhafen Mainz ist ein modernes Stadtquartier direkt am Rhein, das auf dem Gelände des ehemaligen Mainzer Handelshafens entstanden ist. Wo früher Kräne, Lagerhallen und Schiffe das Bild bestimmten, findet man heute einen lebendigen Mix aus Wohnen, Arbeiten, Gastronomie, Kultur und Freizeit. Historische Bauten wie das alte Kesselhaus wurden behutsam integriert und prägen gemeinsam mit zeitgenössischer Architektur das Gesicht des Viertels. Der Zollhafen verbindet Mainzer Industriegeschichte mit urbanem Lebensgefühl – ein neuer Anziehungspunkt am Wasser.